L’exposition “Interprète.”, qui a lieu au Frac d’Ile-de-France (28.03 – 05.11.14), se compose de sept espaces emplis de sculptures, vidéos, notes de musique, installations et même d’ikebanas. “Interprète.” porte sur le thème de la performance à travers les connexions de réalités passées et présentes, les gestes, les transpositions en relation avec les sons de la musique de différents domaines d’utilisation. Nous allons voir cela à travers les quelques œuvres d’artistes qui semblent être notables.
Zin Taylor The Flute of Sub, 2007
Dans une première pièce, sombre comme les ténèbres, se présente la sculpture The Flute of Sub de l’artiste Belgique Zin Taylor. La sculpture (tube métallique blanc avec des petits trous, monté sur un support en bois) est accompagné par une vidéo du paysage.
Zin Taylor The Flute of Sub 2007
Installation audiovisuelle
Une sculpture, une video
Sculpture : plastique, bois ; 30x23x43 cm
Vidéo : monobande, couleur ; durée 10′ 40 »
Les vidéos consistent à la fois en des vidéos et des performances (performances de 10 minutes composées d’une lecture et d’un récital de musique) qui montrent l’unité de la musique folk dans certains airs de mysticisme et le passage à travers un tunnel souterrain, dans le nord de l’Ecosse, où étaient produites des flûtes dans le passé. La nature de ce lieu nous amène à la connexion entre le passé et le présent, l’artisanat et le son.
Haroon Mirza Regarding a degree of control, 2010
Dans la chambre suivante, nous voyons un montage d’objets mixtes de mobilier vintage, instruments des années 70-80 confrontés avec le contemporain : la vidéo YouTube, l’équipement électronique. C’est une histoire sur le bruit et le son; la technique du présent et du passé. Les instruments jouent en direct, le système hybride acoustique crée une sculpture musicale.
Haroon Mirza Regarding a degree of control, 2010
Sculpture, matériaux divers.
Marie Cool/ Fabio Balducci Sans titre ( 2006, 2008, 20011)
Le duo Marie Cool et Fabio Balducci a été élaboré à partir de 1995, et montre la combinaison intéressante d’une chorégraphie de l’utilisation de matériaux simples et obsolètes tels que le papier, crayon, etc. Ces combinaisons calmes et de gestes délicats montrent la variété des histoires de la vie quotidienne.
Marie Cool/Fabio Balducci
Sans titre, 2011, crayons de papier noirs, table
Documentation vidéo
Couleur, muet, durée 2’11 »
Trois œuvres présentes sous forme d’une courte vidéo de l’action montrent une personne faisant des gestes répétés, des assemblages de lignes. La vidéo montre quelques mouvements de dessin, la création d’une sorte de réunion et à un autre moment, la distraction. Les mouvements par les crayons sur la surface de la table font un dessin en forme de courbe. Avec des objets simples d’utilisation, une recherche imprévisible des formes de manière minimaliste insolite et élégante est offerte à nos yeux.
Camille Henrot « Est-il possible d’être révolutionnaire et d’aimer les fleurs ? », 2012
Camille Henrot est une artiste française, qui montre une idée de l’ikebana contemporain (œuvres dans l’exposition : « L’heure de s’enivrer : l’univers a-t-il un sens? », Hubert Reeves, 2012 ; « Journal du voleur », Jean Genet, 2012 ; » La Terre Australe Connue », Gabriel de Foigny, 2012) . Le choix de fleurs et les couleurs de celles-ci permettent de créer une forme de langue, le lieu de l’histoire de la vie où l’Ikebana représente la période de renouvellement, un changement en attente. L’oeuvre de Camille Henrot montre quelques fleurs, des branches et des objets unis comme des éléments fragmentés en un seul morceau de l’ikebana.
Camille Henrot, « L’heure de s’enivrer : L’univers a-t-il un sens? », Hubert Reeves, 2012, ikebana : ail d’ornement teinté, citron quatre saisons, chêne vert « holy oak ».
« Journal du voleur », Jean Genet, 2012, verge d’or, vase
Ainsi, l’Ikebana a pour rôle de créer un «espace privilégié» entre l’environnement de l’image d’une bibliothèque qui serait hors du temps et de la connexion à la fascination occidentale de la connaissance et ses attentes pour un changement révolutionnaire.
Camille Henrot, « La Terre Australe Connue », Gabriel de Foigny, 2012, marguerite du transvaal, vase; accompagné de Joseph Grigely série Song without Words, 2012
Thu Van Tran Arirang Partitions, 2009
L’œuvre Arirang Partitions (2009) réalisée par l’artiste vietnamien français Thu Van Tran, se compose d’une installation-sculpture, faite d’un piano en bois : une moitié ordinaire, une moitié sculptée. De cette manière, par la structure en objet d’art l’artiste rappelle la séparation historique de la Corée (deux parties de piano, telles que la division en Corée du Nord et en Corée du Sud).
Thu Van Tran Arirang Partitions, 2009, piano en bois ouvragé, trois partitions musicales déchirées
Dans le même temps, grâce à l’appui de la musique arirang (musique traditionnelle coréenne pendant le temps de l’unité du pays) l’artiste donne un sentiment de perte au contexte de l’histoire coréenne. Car en réalité il n’est pas possible d’unir les deux parties du pays et l’artiste tente de créer une réunification des Coréens en un événement artistique. Nous avons la sensation de l’unité d’une nation coréenne dans l’oeuvre, et dans le même temps la séparation émotionnelle en raison de la réalité.
Damir Ocko, The moon shall never take my Voice (Three songs for a muted voice and various sounds), 2010
Damir Ocko est un artiste croate qui est souvent guidé dans ses oeuvres par des thèmes d’histoire. Cette fois, il représente trois chansons de performance en vidéo. Chaque chanson raconte l’histoire liée à certaines découvertes sur la variété du son au cours de ce siècle.
Damir Ocko, The moon shall never take my Voice (Three songs for a muted voice and various sounds), 2010
Dans la première chanson de la vidéo, The moon shall never take my voice (2010), une femme sourde effectue un langage des signes avec de la musique provenant de la propriété sémantique du texte effectué. L’idée vient de la recherche de Gustav Mahler, compositeur autrichien sur la question du rythme inquiétant avec le Grand Military Drum, qui a un intervalle de silence prolongé entre chaque coup, se délectant de l’incroyable puissance de l’absence de mécanisme musical.
La deuxième chanson décrit le jour où John Cage a visité l’Université Harvard et a découvert l’expérience de la chambre sans écho où il a analysé le bruit de son propre corps. Ce bruit traduit la difficulté de saisir la notion de silence. Il a incarné cette expérience dans la composition de 4’33 ».
La troisième chanson est sur l’astronaute et c’est une connexion avec la fameuse phrase de Neil Armstrong: «Un petit pas pour un homme». L’artiste part du fait que la lune n’a pas d’air, et qu’aucun son ne peut y exister. Silence de la lune et sons de moissonneuses-batteuses avec des fragments d’interviews données par Neil Armstrong, le projet imaginé décrit l’image de tout l’univers visible de la lune dans la performance.
Dans les trois chansons, les mots sont non-dits, une expression acoustique de manière inattendue relie précisément les mouvements de l’interprète.
Benjamin Seror Le Principe Totochabo, 2011
Dans la dernière salle, nous voyons le travail de l’artiste français, Benjamin Seror, Le Principe Totochabo 2011, un groupe de pièces miniatures, qui complètent l’histoire de la littérature du héros du livre de René Daumal, La grande beuverie. C’est une fiction architecturale de segments constitués d’une maison dans l’oeuvre Totochabo Principale qui explicite l’expérience de la réalité via le héros principal. Un monde de la maison construit par l’acte de parole, chaque chambre est un chapitre de roman.
Benjamin Serrer
Le principe Totochabo, 2011, Ensamble de 10 maquettes; carton, bois, papier aluminium, papier, adhésif.
Grâce à l’exposition, nous voyons différents mélanges entre les histoires d’instruments de musique établis, un mélange de différentes décennies de développement instrumental en particulier dans les 20 dernières années du 20 siècle avec les médias actuels. Les combinaisons d’objets dans l’ikebana sont en lien avec la musique classique; les symboles de notes musicales sont représentés dans le contexte visuel typographique. L’existence de différentes époques dans un objet partagée à travers les sons qui ravissent semble être de la musique folklorique traditionnelle et des courbes d’ornements sculptés d’instruments de musique. La réincarnation des événements historiques est décrite par le geste et par l’intermédiaire de la vidéo. Le texte de la littérature est introduit dans la forme architecturale.
L’exposition « Interprète. », par le titre, ouvre de nouvelles possibilités dans le développement de la performance actuelle. Différentes expressions de médias modernes dans le genre de performance, avec une certaine pause, suggèrent de nombreuses possibilités dans un cadre agréable et dans le même temps, perturbent les combinaisons représentées par des artistes créatifs dans le monde d’aujourd’hui.